#El niño pintor

[aperint]

El maravilloso pintor niño

El maravilloso pintor niño #aperturaintelectual #palabrasbajollave @tmoralesgarcia1 Thelma Morales García

[solesamor]

𝐒𝐞𝐦𝐛𝐫𝐚𝐝𝐨𝐫𝐚𝐬 𝐝𝐞 𝐄𝐬𝐩𝐞𝐫𝐚𝐧𝐳𝐚 𝐡𝐨𝐧𝐫𝐚𝐧 𝐚 𝐌𝐢𝐠𝐮𝐞𝐥 𝐇𝐞𝐫𝐧á𝐧𝐝𝐞𝐳: “𝐄𝐥 𝐍𝐢ñ𝐨 𝐘𝐮𝐧𝐭𝐞𝐫𝐨”

Artista: Tomi Caballero Sánchez 𝐒𝐞𝐦𝐛𝐫𝐚𝐝𝐨𝐫𝐚𝐬 𝐝𝐞 𝐄𝐬𝐩𝐞𝐫𝐚𝐧𝐳𝐚 𝐡𝐨𝐧𝐫𝐚𝐧 𝐚 𝐌𝐢𝐠𝐮𝐞𝐥 𝐇𝐞𝐫𝐧á𝐧𝐝𝐞𝐳: “𝐄𝐥 𝐍𝐢ñ𝐨 𝐘𝐮𝐧𝐭𝐞𝐫𝐨”Me siento muy emocionada por presentaros el cuarto poema de mi proyecto literario con el que deseo honrar el amor puro que siento hacia la poesía de 𝐌𝐢𝐠𝐮𝐞𝐥 𝐇𝐞𝐫𝐧á𝐧𝐝𝐞𝐳. Agradecida de corazón me siento por hacerlo acompañado del emocionante retrato con alma dibujado por la artista femenina…

[suenosyfantasmas]

"La primavera le añade nueva vida y belleza a todo lo que ya existe".

Jessica Harrelson.

Arte: Émile Vernon. Francia, (1872 - 1920). Pintor muy conocido por sus escenas de bellas mujeres con flores. Estilo clásico: retratos de niños y mujeres, paisajes y bodegones florales.

Fuente: Google.com

Sueños y fantasmas. El arte de soñar.

[la-cafeina-de-tus-ojos]

Letras

azules como el mar,

letras rojas,

con olor a sangre,

verdes como el pasto,

amarillas,

soleadas y tempranas,

blancas,

que huyen del mal

y negras como un niño

maltratado,

grises,

cabalgando

entre la duda

del destello y la ceguera.

Con ellas se trazan

ahogos y suspiros

sobre un lienzo

apacible y paciente

que todo lo soporta,

fuerte como una madre,

o débil e impotente

ante los malos trazos

de un mal pintor.

[bitacoradeunadialover]

Headcanons random sobre los Diaboys

Headcanons personales que son basura pero que de todos modos me encantan y están atorados en mi cabeza lol

• Ayato no tiene idea de cómo usar un microondas o cualquier cosa relacionada con la cocina. Una vez había ordenado comida rápida. Como ésta llegó fría, quiso calentarla en el microondas. ¿Error? Lo dejó en el mismo recipiente de plástico en el que lo había recibido. Poco después la cocina estaba en llamas.

De más está decir que Reiji casi pierde la cabeza, y que cierto pelirrojo se quedó sin su mesada por largo tiempo.

• Laito quedaría impresionado por una chica que no le teme a los insectos. Por ejemplo, si puedes matar una araña o una cucaracha sin miedo, automáticamente comentará algo como "Cásate conmigo, Bitch-chan", sin dudarlo.

Esto no significa que él te ame ni mucho menos, pero seguro que está un poco muy impresionado por tu trasero valiente.

• Shu es completo ignorante sobre todo lo tecnológico, únicamente se limita a saber lo básico: cómo comprar en línea, cómo enviar mensajes y hacer llamadas con un teléfono celular y un par de cosas más.

¿Ese feo y viejo mp3? Lo usa porque dice que es más "práctico" que las aplicaciones que tienen los smartphones.

A menudo se queja en voz alta como el anciano que es sobre cómo los dispositivos electrónicos, a pesar de ser considerados “inteligentes”, resultan innecesariamente complicados de usar.

• Subaru suele escaparse de la mansión para ayudar en un refugio de animales cercano como voluntario. Nadie lo sabe y espera que así continúe.

• Reiji es un imbécil competitivo cuando se trata de la escuela. Incluso si es un vampiro Sangre Pura con más de doscientos años encima, no puede evitar desear tener las mejores calificaciones de la academia.

En una ocasión su calificación fue de 90 sobre 100 y casi se desmaya de la vergüenza.

Quemó ese maldito examen para que nadie lo supiera.

• Subaru fue detenido varias veces por destrucción de propiedad pública y privada (y por disturbios y peleas callejeras).

• A Kanato le gusta ir a jugueterías para ver peluches y muñecas lindas. Puede literalmente gastar toda su mesada en cosas de Sylvanian families.

• Alguna que otra vez Shu se plantea qué nombre le pondría a sus hijos si es que decide tenerlos (y sí, siempre se refiere al asunto en plural, como si pretendiera tener más de uno). Se ha puesto de acuerdo consigo mismo en que elegiría los nombres de sus compositores de música clásica o pintores y escritores favoritos.

• Shin mataría a cualquier imbécil que siquiera pretenda lastimar a un perro, ya fuera callejero o que tenga un dueño irresponsable o maltratador. Ni hablar de alguien que pretenda cazar a un lobo a uno de sus familiares.

• Por su parte, Subaru mataría a cualquiera que pretendiera dañar a un animal. ¿Hay un grupo de niños queriendo lastimar a un pajarito con una resortera? Les aseguro que los asustará tanto que jamás se les cruzará la idea de nuevo.

Y es que Subaru, incluso si es demasiado tsundere como para admitirlo en voz alta, siente que los animales son los seres más puros sobre esta tierra y realmente se siente querido por ellos. Como si fueran los únicos seres capaces de ver algo bueno en él. Bebé lo amo.

• Entre los 90's y los 2000 Ayato quiso ser un cantante de rock pop. Después decidió que no era lo suyo, que quería ser basquetbolista profesional. Sus hermanos suelen burlarse de eso cuando Ayato se vuelve muy molesto y Laito tiene fotos de su look en ese momento sólo para fastidiarlo.

• Los 50's fueron los años y la época favorita de Laito.

Esto es todo por ahora, bye bye

[eddy25960]

Obra: NIÑO REMENDANDO SU CAMISA.

Artista: ALFRED SMIT(1853-1946).

Fue un acuarelista, pintor al óleo y artista de género [británico](https://www.tuttartpitturasculturapoesiamusica.com/2014/08/British-Artists.html) que a menudo realizó imágenes de interiores de cabañas que mostraban la vida doméstica y figuras en los interiores de las cabañas de una manera romántica hacia fines del siglo XIX.

Era hijo de un grabador de acero y pasó parte de sus primeros años educándose en Francia.

El artista también estudió en la Escuela de Arte Slade, ganando medallas de oro y plata.

Se convirtió en uno de los acuarelistas técnicamente más consumados del final del período victoriano.

[ibarbouron-us]

En este cuadro del pintor italiano Rafaellino del Garbo, la Virgen aparece descalza al borde de una roca, mientras el Niño duerme tranquilamente en sus brazos. A sus lados dos ángeles portan instrumentos musicales. El ángel de la izquierda sostiene una lira, mientras el de la derecha sujeta una flauta de pan..

[joseandrestabarnia]

Valentin de Boulogne (Coulommiers, Francia, 1591 – Roma, 1632) Sagrada Familia h. 1620 óleo sobre lienzo 174,9 x 124,3 cm Nº inv. 589 Colección BBVA España

También conocido como Jean Valentin o como Jean de Boulogne, este pintor francés viajó en torno a 1612 a Roma, donde conoció la obra de Caravaggio (1571-1610), que influyó notablemente en su pintura. Este lienzo es un claro ejemplo de dicha influencia: las figuras están representadas de manera naturalista, la luz cumple un papel dramático —como si se tratara de una representación teatral— y la imagen entera parece un instante congelado. La obra tiene un gran interés documental para conocer la formación del gran maestro francés y sus relaciones con otros artistas, ya que debe considerarse obra de juventud, pintada en fechas en las que coincide en Roma tanto con su compatriota Simon Vouet ―con cuyos modelos se relaciona la Virgen― como con Bartolomeo Cavarozzi († d. de 1621), que influye en la composición, en el tratamiento de los ángeles niños y en el tono anecdótico. En el ambiente romano de esos años eran frecuentes los intercambios y los préstamos entre los distintos artistas. La manera de representar a la Sagrada Familia sin halos brillantes sobre las cabezas, la naturalidad de los rasgos de los personajes y del tratamiento de las alas de los ángeles crean la sensación de que el espectador es testigo de una escena real que se desarrolla ante sus ojos. Los rasgos de lo que será su pintura de madurez ya se aprecian en el San José, que responde a sus modelos masculinos más comunes, y en la mirada del Niño Jesús, en la que aparece esa melancolía ensoñadora y nostálgica que constituirá su característica más significativa.

Información e imágenes de la web de la Colección BBVA.

[notasfilosoficas]

“Así como una jornada bien empleada produce un dulce sueño, así una vida bien usada causa una dulce muerte”

Leonardo da Vinci 

Fue un artista, botánico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, anatomista y urbanista florentino del Renacimiento italiano, nacido en abril de 1542.

Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del renacimiento, es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos, y probablemente la persona con el mayor numero de talentos que haya existido en la tierra.

Fue descendiente de una rica familia de nobles italianos, fue hijo ilegítimo, su padre, un canciller florentino, dejó embarazada a su madre, una joven de 15 años de familia campesina, de quien se ha sospechado era una esclava del Oriente Medio. 

Pasó los primeros cinco años de su vida en casa de su padre en Vinci, en donde fue tratado como un hijo ilegítimo. Su madre se casó cuando Leonardo tenia cinco años y su padre se casó con una joven proveniente de una familia rica de Florencia, la cual al no tener hijos, volcó su afecto en Leonardo, no obstante murió muy joven y su padre se casó 4 veces más procreando 10 hijos y 2 hijas.

El joven Leonardo, era un amante de la naturaleza dibujaba caricaturas y practicaba la escritura especular. Un dia, un amigo le mostró al pintor y escultor italiano Andrea de Verrocchio, unos dibujos y sorprendido por sus extraordinarios dones, lo invitó a trabajar en su taller. Es a Verrocchio a quien se le adjudica, parte de su excelente formación multidisciplinaria, aunque no se le conoce ninguna obra de esa época.

Leonardo también destacó como ingeniero, en 1478 a la edad de 26 años, se ofreció para elevar el baptisterio de San Juan, un edificio religioso en Florencia.

En 1483, Leonardo pinta la obra “La virgen de las rocas”, para la confraternidad de la inmaculada concepción, de cuya obra, surgió un prolongado conflicto legal y de la cual hubo dos versiones de la misma.

Hacia 1490, creó una academia y en 1494 pintó el fresco “La ultima cena”. Para un convento dominico y en uno de sus diarios, realizó uno de sus dibujos mas célebres denominado “El hombre del Vitruvio”.

En 1499 trabajó como arquitecto e ingeniero militar para los venecianos, elaborando sistemas de defensa naval contra los posibles ataques turcos, en donde entre sus inventos destaca una especie de escafandra submarina con una especie de casco rudimentario, así como un sistema de esclusas para proteger la ciudad.

En 1501, obtuvo la aprobación para la elaboración de la obra, “La virgen y el niño con Santa Ana y San Juan Bautista”, obra que causó gran admiración.

En 1505, se dedicó a estudiar el vuelo de los pájaros redactando un códice y dibujos sobre el tema. 

Entre 1505 y 1506 trabaja en un pequeño retrato, “La Gioconda”, probablemente el cuadro más famoso de la pintura occidental. La obra representa a Lisa Gherardini, esposa de Francesco de Gioconda, un cuadro muy querido que Leonardo conservó hasta su muerte. 

En abril de 1519, Leonardo enfermó, redactó su testamento, pidió recibir la extremaunción, y murió un mes después en mayo de 1519 a la edad de 67 años.

Fuente Wikipedia

[rinascimentoebarocco]

Simonetta Cattaneo Vespucci the Venus who lived in Florence

Simonetta Cattaneo Vespucci la Venus que vivió en Florencia

Detail of The Virgin and Child with Saint John and an Angel (1490) / Detalle de La Virgen y el Niño con San Juan y un ángel (1490) Sandro Botticelli

(English / Español / Italiano)

The 'beautiful Simonetta', the 'peerless one': these are the two nicknames by which one of the most famous noblewomen of the Florentine Renaissance, Simonetta Vespucci, born Cattaneo (Genoa or Portovenere, 1453 - Florence, 1476), entered into legend.

Considered a woman of incomparable beauty, the object of desire of many men in mid-15th-century Florence, a member of one of the oldest families of the Genoese nobility (the Cattaneo), married at only sixteen to the banker Marco Vespucci (a relative of the more famous Amerigo, the navigator who gave his name to America), she died very young (at only twenty-three, probably of plague or tuberculosis) and was associated with the names of many artists of the time, for whom she would have posed.

Her beauty was the source of inspiration for Sandro Botticelli in the creation of some of the most important paintings ever created. The painter could not bear the loss of his muse, and lived the rest of his life obsessed with her beauty, portraying her in many of his works. Among them is the painting "Venus and Mars", in which the gods are represented by Simonetta and Botticelli himself.

Almost nine years after her death, Botticelli completed "The Birth of Venus", his greatest homage to Simonetta and a painting which, over the centuries, would become his most representative work.

The painter, who never married, died in 1510 and was buried at the foot of Simonetta's tomb in the church of Ognissanti in Florence, as he had expressed in his last will. Perhaps this was the only way he could spend eternity with the most beautiful woman of the Renaissance.

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La "bella Simonetta", la "sin par": estos son los dos apodos con los que entró en la leyenda una de las nobles más famosas del Renacimiento florentino, Simonetta Vespucci, nacida Cattaneo (Génova o Portovenere, 1453 - Florencia, 1476).

Considerada una mujer de belleza incomparable, objeto de deseo de muchos hombres en la Florencia de mediados del siglo XV, miembro de una de las familias más antiguas de la nobleza genovesa (los Cattaneo), casada con sólo dieciséis años con el banquero Marco Vespucci (pariente del más famoso Amerigo, el navegante que dio su nombre a América), murió muy joven (con sólo veintitrés años, probablemente de peste o tuberculosis) y estuvo asociada a los nombres de muchos artistas de la época, para los que habría posado.

Su belleza fue la fuente de inspiración de Sandro Botticelli en la creación de algunas de las pinturas más importantes jamás creadas. El pintor no pudo soportar la pérdida de su musa, y vivió el resto de su vida obsesionado con su belleza, retratándola en muchas de sus obras . Entre ellas destaca el cuadro "Venus y Marte", en el que los dioses son representados por Simonetta y el propio Botticelli.

Casi nueve años después de su muerte, Botticelli finalizó “El nacimiento de Venus”, su mayor homenaje a Simonetta y cuadro que, con el paso de los siglos se convertiría en su obra más representativa.

El pintor, que nunca se casó, falleció en 1510 y fue enterrado a los pies de la tumba de Simonetta, en la Iglesia de Ognissanti en Florencia, tal y como había expresado en su última voluntad. Quizá fue la única forma que encontró para poder pasar la eternidad junto a la mujer más bella del Renacimiento.

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La “bella Simonetta”, la “senza pari”: sono questi i due soprannomi con cui è entrata nella leggenda una delle più celebri nobildonne del Rinascimento fiorentino, Simonetta Vespucci, nata Cattaneo (Genova o Portovenere, 1453 - Firenze, 1476).

Considerata una donna di incomparabile bellezza, oggetto del desiderio di molti uomini nella Firenze di metà Quattrocento, membro di una delle più antiche famiglie della nobiltà genovese (i Cattaneo), sposata a soli sedici anni con il banchiere Marco Vespucci (parente del più celebre Amerigo, il navigatore che diede il nome all’America), morì giovanissima (a soli ventitré anni, probabilmente di peste o tubercolosi) e fu associata ai nomi di molti artisti dell’epoca, per i quali avrebbe posato.

La sua bellezza fu fonte di ispirazione per Sandro Botticelli nella creazione di alcuni dei più importanti dipinti mai realizzati. Il pittore non riuscì a sopportare la perdita della sua musa e visse il resto della sua vita ossessionato dalla sua bellezza, ritraendola in molte delle sue opere. Tra queste, il dipinto "Venere e Marte", in cui gli dei sono rappresentati da Simonetta e dallo stesso Botticelli.

Quasi nove anni dopo la sua morte, Botticelli completò "La nascita di Venere", il suo più grande omaggio a Simonetta e un dipinto che, nel corso dei secoli, sarebbe diventato la sua opera più rappresentativa.

Il pittore, che non si sposò mai, morì nel 1510 e fu sepolto ai piedi della tomba di Simonetta nella chiesa di Ognissanti a Firenze, come aveva espresso nelle sue ultime volontà. Forse questo era l'unico modo per trascorrere l'eternità con la donna più bella del Rinascimento.

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EL DIBUJANTE DEL CINE: JOSÉ RAMÓN SÁNCHEZ

Hoy vamos a recordar a un personaje realmente muy curioso y que a través del dibujo y la pintura se acercó al cine. Un artista que dijo de sí mismo: “He sido caricaturista e ilustrador, historietista y pintor, maquetista y escultor, he hecho un poco de todo y lo interesante si tengo que destacar algo en mi trayectoria es que he hecho muchas cosas distintas”. Hoy conocemos y recordamos a JOSÉ RAMÓN SÁNCHEZ (Santander, 1936)

José Ramón Sánchez se inicia muy joven en el dibujo y especialmente en el dibujo publicitario en los famosísimos Estudios Moro de Madrid en 1957. Unos años después comienza a trabajar en el cartel publicitario. Pero cuando Sánchez se da a conocer fue tras la muerte de Franco con los dibujos de los carteles electorales del PSOE en las elecciones de 1977 y 1979. Suya fue también la ilustración de la Constitución de 1978 para los escolares.

Su acercamiento al cine tiene efecto en 1979 cuando realiza la película de dibujos animados El desván de la fantasía junto a Cruz Delgado. Su figura se hace todavía más amplia y famosa para los niños españoles cuando en TVE aparece en los primeros años 80 en los programas Un globo, dos globos, tres globos, junto a Gloria Fuertes, en Sabadabadá junto a Mayra Gómez-Kemp o en Dabadabadá.

En esos años es cuando comienza a plasmar en pintura su gran afición al cine realizando desde entonces y hasta la actualidad varias colecciones:

-La gran aventura del cine:  realizada en 1980, compuesto por 120 cuadros y 20 retratos de actores y actrices. Un gran repaso al cine norteamericano de todos los tiempos. Un magnífico libro hoy bastante cotizado en librerías de lance y que me enorgullezco en tener. Aparecen películas como Moby Dyck, La vuelta al mundo en 80 días, El conde de Montecristo, Pinocho, King-Kong, Supermán, La guerra de las Galaxias, El último Mohicano, Rio Rojo.                                                                                                                                                               -50 años de cine español: 29 cuadros de 29 películas españolas seleccionadas por el pintor.                                                                                                                                 -La vuelta al cine en sesión continua.                                                                                                          -Me enamoré de una máscara: dedicada a Lon Chaney.                                                                               -Amores del cine.                                                                                                                                                  -Transiciones: 30 retratos de estrellas del cine; 24 de personajes y 6 de parejas. Aparecen retratos de Chaplin, Clark Gable, Brando, Orson Welles, Buster Keaton, Greta Garbo, y, asimismo, por parejas de película: Spencer Tracy - Katharine Hepburn, Humphrey Bogart - Ingrid Bergman, Ava Gardner - Burt Lancaster, Liz Taylor - Montgomery Clift y el propio Bogart con Lauren Bacall.

Este acercamiento de un cartelista publicitario al mundo del cine lo define él mismo como: “El cine es mi sueño desde niño y no he tenido los condicionamientos, grandes o pequeños, que te puede dar el cartelismo industrial”. José Ramón Sánchez ha sido pintando hasta la actualidad y presentando exposiciones por toda España.

A su hijo Daniel le preguntaron en una ocasión “¿Y tú por qué no pintas?” A lo que respondió “Para mí hablar de pintura es hablar de mi padre. Pero hablar de mi padre, es hablar de cine. Gracias por enseñarme lo que es el arte. Gracias, papá, por enseñarme a mirar”. Y es que, con los antecedentes del padre, su hijo no podía ser otro que Daniel Sánchez Arévalo (AzulOscuroCasinegro, Gordos, Primos, La gran familia española).

Dejo para el final una crítica anónima desde Zaragoza de su película El desván de la fantasía, que evoca el tiempo de José Ramón Sánchez en aquellos ya lejanos años 80:

“Buenos, buenos recuerdos, me trae este desván. El papá de Daniel Sánchez Arévalo ahora es mucho menos conocido que el hijo. Realmente ahora nadie conoce a José Ramón Sánchez. José Ramón Sánchez dibujó el cine de los que queríamos iniciarnos en el cine allá por los años 80. Dibujaba a los hermanos Marx o el incendio de Lo que el viento se llevó. Eso lo hacía en un programa de televisión. Antes había firmado esta simpatiquísima película acerca de los misterios que para un niño suponía subir al desván, pero no un desván cualquiera, sino al de la fantasía. Y eso, si eres niño, es mucho. Las imágenes, los dibujos, mejor dicho, de José Ramón, y si le llamo así parece que le llamo como al poeta, se han convertido, se convertían al verlos semana tras semana, en iconos de la televisión, la española, que era la única que había, y la mejor, no porque no hubiera otra sino porque de verdad era lo que tenía que ser: una magnífica cadena. Los nietos, el abuelo, la canción, por Dios, que no se me olvida y ni se me olvidará. ¿Ñoño, a estas alturas, recordar estas cosas? No, como en el tenis dirían. El desván de la fantasía era un divertimento semanal, que se esperaba con emoción. Pero eso fue después de la película, que básicamente juega con los mismos elementos y personajes. Condensados en 75 minutos se le perdonan falta de ligazón entre las historias, prima el contenido, cosa a la que José Ramón Sánchez ofrecía mucha importancia. Como en una viñeta. Razón por la cual, y por tantas otras, hay que darle las gracias a su creador y factotum. Muchas gracias, José Ramón”.

2/9/2024

[jartita-me-teneis]

Angelina beloff la amante olvidada de diego rivera que era mejor artista que frida kahlo

Los muralistas mexicanos fueron uno de los primeros grupos que implementaron el acrílico como técnica pictórica. Ese material fue comercializado con fines artísticos a comienzos del siglo XX y a diferencia del óleo, permite crear obras con colores más vivos. Lo que aún causa desconcierto sobre este material, es la duración de los colores y resistencia del tiempo de los cuadros que son realizados con este.

Puede que los lienzos al óleo resistirán más que los trazos en murales; es algo que sólo en algunos cientos de años se sabrá. Lo que sí resistirá serán las palabras. Escribimos para recordar, como sentenció en la primera línea de sus memorias Angelina Beloff (1879-1969).

El amor es más tenaz que la memoria.

Eran los años 20 y antes de su triunfal regreso a la academia de pintura mexicana, Diego Rivera (1886-1957) se enamoró de una pintora rusa que había sido alumna de Henri Matisse, para quien también traducía tratados de pintura al francés.

En 1909, ella tenía 29 y él 23. Estaban en Brujas cuando fueron presentados por una de sus amigas en común. Diego Rivera no hablaba francés y Angelina Beloff entendía poco el español, aún así comenzaron a verse, y junto a algunos amigos, recorrieron parte de Europa estudiando y ensayando obras. Al regresar a París, comenzaron la relación formal.

Beloff escribió en sus memorias, refiriéndose a Rivera: «En aquel entonces era un pobre estudiante de 23 años que no sabía mucho del mundo de París, pero yo ya empezaba a amarlo en serio».

Comenzaron a trabajar y pintar juntos; actualmente se expone en el Museo de Arte Moderno de México, un retrato de la rusa hecho por Diego Rivera.

«Cuando nos reuníamos hablábamos de nuestro porvenir, del matrimonio. Diego argüía que sentía temor, en caso de que nos casáramos, de que por falta de trabajo tuviéramos que vernos obligados a vivir en un taller, y que si tuviéramos un hijo tendríamos que tener los pañales dentro».

Aunque el trabajo de Diego Rivera destacó más que el de ningún otro artista mexicano de la época, el de Beloff, igual que el de muchas de las compañeras de los grandes pintores, quedó en el olvido. La rusa sobrepuso la obra artística de Diego a la suya, por lo que su obra no es tan reconocida en México, ni Rusia, ni el resto del mundo.

En 1910, Diego Rivera regresó a México durante un año y al volver a París, se casaron y comenzaron a vivir juntos en diferentes países europeos. Juntos se unieron al cubismo de Picasso, quien los visitaba de vez en cuando en su pequeño departamento.

En 1914, Angelina comenzó una relación amistosa con el escritor y político Alfonso Reyes, que años más tarde sería la persona que posibilitaría su traslado para vivir en México, en 1932; aceptando el puesto de maestra de artes plásticas en escuelas oficiales de la que es parte hasta el año de 1945.

Su trabajo no sólo se basó en el óleo, Angelina realizaba acuarelas y serigrafia para componer bodegones, autorretratos y paisajes. Buscando a través de su obra la reflexión y observación paciente del mundo.

Diariamente, Angelina realizó cuadros para representar el México urbano, los edificios modernos y las olvidadas montañas de las zonas aún rurales. Creó personajes como “la muñeca pastillita” para los niños de este país e incursionó en el teatro guiñol.

Sin embargo, muchos inviernos antes de venir a México, en el crudo frío parisino de 1917, murió de una bronquitis, que después se volvió bronconeumonía, Miguel Ángel, el bebé de Angelina y Diego. Había nacido en el verano de agosto de 1916. Este hecho lo cambió todo ya que el futuro muralista se fue separando de su mujer, abandonó el cubismo y ella se fue sumergiendo en sí misma.

En agosto de 1921, Rivera rompe su vida en París, y decide regresar a México, donde realiza su primer mural al siguiente año.

[suenosyfantasmas]

"La primavera ha vuelto a la tierra. La tierra es como un niño que conoce poemas"

Rainer Maria Rilke.

Ilustración: Bao Pham. Vietnan, (1975). Pintor e ilustrador. Retratos. Personajes inspirados en la fantasía.

Sueños y fantasmas. El arte de soñar.

[almasmoons]

Lucian Freud

Nacido en 1922, fue un pintor y dibujante británico especializado en arte figurativo y reconocido como uno de los mayores retratistas ingleses del siglo XX. Nació en Berlín, hijo del arquitecto judío Ernst L. Freud y nieto de Sigmund Freud. Su familia se mudó a Inglaterra en 1933, cuando él tenía 10 años, para escapar del ascenso del nazismo. Se convirtió en ciudadano británico naturalizado en 1939.

Reflección (Autorretrato), Lucian Freud, 1985

Freud estudió brevemente en la escuela central de Londres. Luego, con mayor éxito, en la escuela de Pintura y Dibujo East Anglian

En 1943, el poeta y editor Meary James Thurairajah Tambimuttu encargó al joven artista que ilustrara un libro de poemas de Nicholas Moore titulado La torre de cristal. En el verano de 1946 viajó a París antes de continuar a Grecia durante varios meses para visitar a John Craxton. A principios de los años cincuenta visitaba con frecuencia Dublín, donde compartiría el estudio de Patrick Swift. Siguió siendo londinense por el resto de su vida.

Las primeras pinturas de este artista, en su mayoría muy pequeñas, suelen asociarse con el impresionismo alemán (una influencia que él tendía a negar) y el surrealismo al representar personas, plantas y animales en yuxtaposiciones inusuales.

A partir de la década de 1950, comenzó a centrarse en el retrato, a menudo desnudos, excluyendo casi por completo todo lo demás, y a mediados de la década desarrolló un estilo mucho más libre. usando pinceles grandes de pelo de cerdo, concentrándose en la textura y el color de la carne, y pintura mucho más espesa, incluido el empaste. Chica con un perro blanco, 1951-1952 es un ejemplo de obra de transición en este proceso.

Los sujetos de Freud eran a menudo las personas de su vida; amigos, familiares, compañeros pintores, amantes, niños. Sus temas eran autobiográficos, todo tenía que ver con la esperanza, la memoria, la sensualidad y la participación, en realidad. Sin embargo, los títulos eran en su mayoría anónimos y no siempre se revelaba la identidad del modelo.

Freud pintó a otros artistas, incluidos Frank Auerbach y Francis Bacon. Una serie de enormes retratos desnudos de mediados de la década de 1990 mostraban a Sue Tilley, o "Big Sue", algunos usando su título de trabajo de "Supervisora de Beneficios" en el título de la pintura, como en su retrato de 1995 Supervisora de Beneficios Durmiendo, que en mayo 2008 fue vendida por Christie's en Nueva York por 33,6 millones de dólares, estableciendo un precio de subasta récord mundial para un artista vivo.

Obras

Bella, 1981

Autorretrato, 1985

[ripempezardexerox]

Una sola cosa nomas quería decirte, me agradó mucho tu post, en serio, es de lo más sensacional que he visto por el momento, es una obra de arte, sin exagerar, es algo que, a simple vista, podría haber sido hecho por el mismímiso Da Vinci, la genialidad que tiene se puede notar desde kilómetros de distancia, ni siquiera la peor de las malas lenguas podría decir que no nos encontramos ante una majestuosidad vista una sola vez cada mil años. No he visto en todos mis años de vida algo de esta magnitud, te provoca una sensación indescriptible, una alegría inmensa a pesar de no haber hecho acción alguna, un sentimiento raro de encontrar pero fantástico, algo así como lo que se siente una brisa en un caluroso verano, o ver la alegría de un niño al abrir sus regalos de Navidad, o simplemente estar con esa persona que tanto queremos. No hagas caso a las malas lenguas que critican sin cesar a cualquiera que no cumpla con absolutamente todas sus expectativas, solo creeme a mí y a todos aquellos seres que consideran y admiran a tan grandiosa obra de arte. Siempre va a haber personas que te van a decir que lo que hiciste no tiene valor, pero el secreto está en ignorarlas, esas personas darían lo que fuera por haber creado algo tan magnífico como lo que estamos viendo. Así como Dios en su infinita sabiduría creó a la humanidad, o así como un hombre enamorado crea un poema para expresar sus más profundos sentimientos, o como un pintor crea una obra de arte de algún tiempo que ni siquiera él conoce, así es como fue creado este post, de la misma forma. Puede parecer que estoy exagerando, repito, pero no es así, ni de cerca, exageraría si dijese que no me encuentro ante una creación admirable, increíble, de una belleza de proporciones bíblicas. De hecho estoy tan encantado con semejante aporte que decidí escribir un poema al respecto, se titula ''mis ojos te lo agradecen'', aquí va: -''Mis ojos te lo agradecen, ya que han sido acariciados, mis sentimientos te alaban, ya que han sido despertados, mi corazón te idolatra, porque lo has hecho bailar, y mi ser te dice gracias, por tan delicioso manjar, estaré esperando nuevamente, que me compartas tu alegría, aún en medio de la noche, o en el más radiante día, solo sigue creando, creando hasta que las manos pesen, así te lo diré nuevamente, mis manos te lo agradecen''-. Espero que hayas disfrutado mi poema tanto como yo disfruté escribiéndolo, te diría que lo disfrutes como yo disfruté tu post, pero no creo que haya situación en el mundo que se asemeje a tanta dicha. Para terminar siendo breve, te quería agradecer de corazón, uno en esta vida se encuentra con situaciones que lo ponen de malas, piensa que no va a encontrar nada bueno en estos días y de repente se encuentra con algo así, es difícil decidir dónde uno va a dejar sus puntos, y de hecho ya cansa denunciar la mayoría de los posts que ve, siendo que muchos son creados por trolls y personas con ganas de molestar, nada que ver con lo que estamos observando, aquí uno piensa todo lo contrario, simplemente lo ve y se dice a sí mismo ''no debe haber lugar en esta tierra, ni en el cielo ni en el inframundo, ni en otros planetas, galaxias o universos, donde sea mejor dejar mis puntos, he encontrado la verdadera Atlantida, aunque no sea un lugar físico, su simple belleza es suficiente para no titubear en hacer dicha comparación''.

[ibarbouron-us]

En este cuadro del pintor italiano Rafaellino del Garbo, la Virgen aparece descalza al borde de una roca, mientras el Niño duerme tranquilamente en sus brazos. A sus lados dos ángeles portan instrumentos musicales. El ángel de la izquierda sostiene una lira, mientras el de la derecha sujeta una flauta de pan.